Co to impresjonizm? Definicja i geneza
Impresjonizm to rewolucyjny kierunek w kulturze europejskiej, który zapoczątkowany został przez grupę paryskich malarzy na przełomie XIX i XX wieku. Jego geneza wiąże się z pragnieniem artystów, aby uwolnić się od sztywnych ram romantyzmu i akademizmu, które dominowały w sztuce tamtego okresu. Impresjoniści poszukiwali nowych sposobów wyrażania rzeczywistości, skupiając się przede wszystkim na uchwyceniu ulotnych wrażeń i zmiennej natury świata. Nazwa tego nurtu, która stała się jego znakiem rozpoznawczym, wywodzi się od obrazu Claude’a Moneta zatytułowanego „Impresja, wschód słońca„. Dzieło to, zaprezentowane szerokiej publiczności w 1874 roku, zostało tak nazwane przez krytyka Louisa Leroja, który użył tego terminu w sposób nieco lekceważący, podkreślając subiektywne i niedokończone wrażenie, jakie wywoływał obraz. Jednakże, artyści przyjęli tę nazwę z dumą, widząc w niej kwintesencję swoich dążeń artystycznych.
Nazwa impresjonizmu od obrazu Claude’a Moneta
Jak wspomniano wyżej, nazwa 'impresjonizm’ zyskała swoje znaczenie dzięki obrazowi Claude’a Moneta, zatytułowanemu „Impresja, wschód słońca„. To właśnie to dzieło, wystawione w 1874 roku na pierwszej niezależnej wystawie grupy artystów, stało się katalizatorem dla nadania nazwy całemu kierunkowi artystycznemu. Krytyk sztuki, Louis Leroy, pisząc recenzję z wystawy, użył słowa „impresja”, aby opisać subiektywne i efemeryczne wrażenie, jakie wywołały prace malarzy, w tym dzieło Moneta. Zamiast być obelgą, termin ten został przez samych artystów przyjęty jako trafne określenie ich nowatorskiego podejścia do sztuki, które skupiało się na oddaniu chwili, atmosfery i osobistego odczucia artysty, a nie na wiernym odwzorowaniu rzeczywistości.
Tło historyczne: przełom XIX i XX wieku
Przełom XIX i XX wieku był okresem niezwykle dynamicznych zmian społecznych, technologicznych i naukowych, które miały ogromny wpływ na rozwój sztuki, w tym na narodziny impresjonizmu. Rozwój techniczny, postęp w dziedzinie fizyki, zwłaszcza w badaniach nad optyką i światłem, oraz wynalezienie nowych, bardziej intensywnych i łatwiej dostępnych farb w tubkach, umożliwiły malarzom wychodzenie w plener i eksperymentowanie z kolorem i światłem w sposób dotąd niespotykany. Rozwój fotografii również odegrał znaczącą rolę, zmuszając malarzy do poszukiwania nowych dróg wyrazu, które odróżniałyby ich od precyzji obiektywu. W tym burzliwym czasie, artyści zaczęli kwestionować tradycyjne akademickie kanony, szukając inspiracji w codzienności, zmienności natury i subiektywnych wrażeniach, co zaowocowało powstaniem impresjonizmu.
Kluczowe cechy impresjonizmu w malarstwie
Uchwycenie ulotnych wrażeń i światła
Jedną z fundamentalnych cech impresjonizmu jest dążenie do uchwycenia ulotnych wrażeń i zmienności światła. Impresjoniści odrzucili tradycyjne podejście do malowania, które skupiało się na statycznym i precyzyjnym odwzorowaniu rzeczywistości. Zamiast tego, koncentrowali się na oddaniu atmosfery danej chwili, efektów atmosferycznych i gry światła na obiektach. Pragnęli uchwycić to, co widzialne tylko przez ułamek sekundy – migotanie słońca na wodzie, grę cieni, zmienne kolory nieba o różnych porach dnia. Claude Monet, malując wielokrotnie tę samą katedrę w Rouen o różnych porach dnia i przy różnym oświetleniu, doskonale ilustrował to dążenie do studiowania i oddania subtelnych zmian w percepcji światła i koloru.
Technika malarska: kolory, paleta i kompozycja
W malarskiej technice impresjonizmu kluczową rolę odgrywa kolor i sposób jego użycia. Impresjoniści stosowali szeroką paletę czystych, nienasyconych barw, często nakładanych obok siebie drobnymi, widocznymi pociągnięciami pędzla, zamiast tradycyjnie je mieszać na palecie. Pozwalało to na uzyskanie efektu wibracji koloru i symulowanie sposobu, w jaki ludzkie oko odbiera kolory w naturalnym świetle. Kompozycja obrazów często cechowała się asymetrią, przypadkowością ujęcia, skrótami perspektywicznymi, co naśladowało spontaniczność widzenia. Unikali oni czarnych cieni, zastępując je mieszaniną kolorów, co dodawało ich dziełom lekkości i świetlistości. To nowe podejście do koloru i formy zrewolucjonizowało malarstwo.
Tematyka: pejzaże i sceny rodzajowe
Impresjoniści zdecydowanie odsunęli się od tradycyjnych, historycznych, mitologicznych czy religijnych tematów, które dominowały w sztuce akademickiej. Ich zainteresowania skupiły się na pejzażach i scenach rodzajowych z życia codziennego. Malowali w plenerze, czerpiąc inspirację z otaczającej ich natury, miejskich krajobrazów, parków, kawiarni, życia towarzyskiego Paryża. Szczególne upodobanie znajdowali w malowaniu wody, którą postrzegali jako doskonały nośnik koloru i symbolizującą ulotność chwili. Sceny przedstawiające codzienne życie, portrety przyjaciół i rodziny, a także akty, stanowiły ważną część ich dorobku, odzwierciedlając ich zainteresowanie współczesnością i jej subtelnymi pięknościami.
Przedstawiciele impresjonizmu w malarstwie
Claude Monet, Auguste Renoir i inni francuscy artyści
Francja była kolebką impresjonizmu, a jej główni przedstawiciele to artyści, których nazwiska na zawsze wpisały się w historię sztuki. Niewątpliwie na czele stoi Claude Monet, którego twórczość stanowiła kwintesencję nurtu, szczególnie w kontekście studiów nad światłem i wrażeniami. Obok niego, równie ważni byli Auguste Renoir, mistrz portretów i scen towarzyskich, słynący z ciepłej kolorystyki i radości życia, oraz Camille Pissarro, uważany za duchowego ojca grupy, który skupiał się na malowaniu wiejskich i miejskich pejzaży. Inni kluczowi artyści to Edgar Degas, znany z przedstawień tancerek i scen z życia paryskiego, oraz Alfred Sisley, który poświęcił się malowaniu pejzaży, często ukazując spokojne sceny nad Sekwaną. Ich wspólna twórczość zdefiniowała nowy kierunek w malarstwie.
Polscy impresjoniści: Pankiewicz i Podkowiński
Również w Polsce impresjonizm znalazł swoich gorących zwolenników i wybitnych przedstawicieli, którzy przyczynili się do rozwoju tej sztuki w kraju. Dwoma najważniejszymi postaciami polskiego impresjonizmu byli Józef Pankiewicz i Władysław Podkowiński. Pankiewicz, który studiował w Paryżu i był pod silnym wpływem francuskich mistrzów, w swoich pracach doskonale oddawał atmosferę paryskiego życia, targowiska, wnętrza sklepów, charakteryzując się subtelną paletą barw i mistrzowskim uchwyceniem światła. Podkowiński z kolei znany jest z dynamicznych, pełnych emocji pejzaży oraz odważnych, często prowokacyjnych dzieł, takich jak „Szał uniesień”, które jednak w swojej technice i sposobie malowania nawiązywały do impresjonistycznych poszukiwań. Ich twórczość wniosła świeży powiew do polskiej sztuki przełomu wieków.
Impresjonizm w innych dziedzinach sztuki
Impresjonizm w muzyce i literaturze
Impresjonizm nie ograniczał się jedynie do sztuk plastycznych, ale wywarł również znaczący wpływ na muzykę i literaturę. W muzyce nurt ten kojarzony jest przede wszystkim z twórczością Claude’a Debussy’ego i Maurice’a Ravela. Charakteryzuje się on programowością, czyli dążeniem do oddania za pomocą dźwięków określonych obrazów, nastrojów czy wrażeń, oraz innowacyjnym podejściem do formy i harmonii. Użycie nowych skal, bogactwo orkiestracji i subtelność melodyczna miały na celu stworzenie wrażenia płynności i eteryczności. W literaturze impresjonizm skupiał się na opisywaniu wrażeń i doznań podmiotu lirycznego lub narratora, kładąc nacisk na subiektywizm, fragmentaryczność i sensualność. Pisano o doznaniach zmysłowych, ulotnych myślach i emocjach, często wykorzystując technikę strumienia świadomości. W literaturze polskiej okresu Młodej Polski, jak twórczość Leopolda Staffa czy Kazimierza Przerwy-Tetmajera, odnajdujemy silne wpływy tego nurtu.
Impresjonizm w filmie
Choć termin „impresjonizm filmowy” jest nieco późniejszy i odnosi się do specyficznych tendencji w kinie, jego korzenie można odnaleźć w dążeniach artystów do uchwycenia wrażeń i atmosfery, podobnie jak w malarstwie. Początkowo, pewne eksperymenty filmowe inspirowane były sztuką wizualną. Choć trudno wskazać jednoznaczne dzieło jako początek impresjonizmu w filmie, można mówić o inspiracji płynącej z dzieł takich jak „Popołudnie Fauna” Claude’a Debussy’ego, które swoją nastrojowością i poetyckością mogły oddziaływać na wizualne poszukiwania w kinie. Filmy z tego nurtu często skupiały się na budowaniu nastroju poprzez grę światła, cienia, montażu i dźwięku, starając się oddać subiektywne odczucia bohaterów i atmosferę danej sceny, podobnie jak impresjoniści w malarstwie starali się uchwycić migotliwe światło i wrażenia.